David Mankin

Il lavoro di David Mankin riguarda il paesaggio, ma non c’è alcun tentativo di imitare un “panorama”. Invece, egli evoca la sensazione di trovarsi nel mondo naturale e il senso della nostra insignificanza umana di fronte agli elementi.
I suoi dipinti esprimono l’amore per il paesaggio che circonda la sua casa e il suo studio in Cornovaglia e il senso di libertà per gli spazi aperti e selvaggi – gli elementi fisici grezzi, i grandi cieli e i mari impetuosi.
In questo nuovo lavoro Mankin si propone di esplorare le forze e i ritmi alla base dei cambiamenti che vediamo e percepiamo nel paesaggio.

In questi dipinti, è come se l’artista avesse raccolto frammenti di esperienza sensoriale dal mondo esterno che, riportati in studio, vengono lasciati riversare sulla tela. Non c’è una narrazione o un commento imposto: solo “ecco, questo è ciò che è stato”.
Nel metodo di lavoro di Mankin le qualità formali del mezzo non sono trascurate e il flusso iniziale, intuitivo, è seguito da un tranquillo processo di perfezionamento. L’attenzione è rivolta all’equilibrio di colore, linea, tono, struttura e forma. Mankin mira a una composizione equilibrata, con un dialogo tra i segni e i passaggi di pittura. La superficie viene costruita, graffiata, rimossa, raschiata e vengono aggiunti altri strati, il tutto punteggiato da segni, linee e scarabocchi simili a graffiti. Nel corso di una giornata di lavoro, un dipinto può cambiare completamente, perché elementi o relazioni vengono scoperti, sepolti, persi e ritrovati, facendo eco al “flusso perpetuo” del mondo naturale. Cicatrici sepolte di precedenti iterazioni riecheggiano nell’oscurità,
Il volo di un gabbiano, incontrato in una giornata di vento, diventa un’ampia pennellata gestuale; un groviglio di sottili linee di sgraffito suggerisce i rami di tamerice spazzati dal vento sul bordo della scogliera. Una serie di piccoli trattini che si muovono delicatamente sull’angolo di un dipinto ricorda i passi delicati di una beccaccia d’ostrica che si rifugia sul bordo della riva. Le forme irregolari del carbone sembrano essere state tracciate direttamente dai rottami rinvenuti sulla spiaggia, o forse si riferiscono alle ciminiere delle miniere in disuso disseminate lungo le scogliere. Mankin offre queste impressioni pittoriche perché gli spettatori le interpretino come vogliono. C’è sempre l’energia di fondo del mare, a volte una mitezza mattutina, altre una forza elementare impetuosa. L’artista ricorda con la pittura.

Man mano che questi ricordi del paesaggio della Cornovaglia si riversano sulle sue superfici, e che il processo fluisce e rifluisce, le influenze storiche dell’arte si rivelano. Mankin ammira l’insistente spinta al processo di Richard Diebenkorn; anche le superfici sottilmente stratificate e strutturate di Prunella Clough e il modo in cui isolava i piccoli dettagli. Passaggi di pittura viscerale evocano le opere Catterline di Joan Eardley, mentre la muscolarità del tratto ricorda Roger Hilton e un’influenza lanyoniana si percepisce nella prospettiva apparentemente aerea di alcuni dipinti.
Come per tutta la pittura, il lavoro di Mankin deve essere visto “in carne e ossa”: le parole non riescono a trasmetterne le sottigliezze. Dobbiamo stare davanti ai suoi quadri, assaggiare l’aria salata e sentire il calore del sole.

Pippa Young,
Pippa Young è una pittrice di belle arti le cui opere sono collezionate a livello internazionale.

David Mankin – Flusso perpetuo

L’azzurro che si vede in un dipinto di David Mankin ricorda il mare, l’attrazione magnetica e lo spirito della Cornovaglia, un paesaggio carico di significato per l’artista. Per quanto si guardi spesso, non ci si abitua mai al mare: non c’è quasi nulla da aggiungere al suo mistero, suggerisce David. Il blues è una bellezza riflessa, un apogeo di sguardo su prospettive mutevoli, ritmi sommersi. Un’eloquenza che forse resiste all’articolazione con le parole, ma che deriva chiaramente da un rapporto di lavoro con la natura. L’inquietudine della natura è il luogo in cui l’artista è avvolto da un andante di flusso tra, sotto e sopra gli strati.

Il mare ha così tanto in sé, in termini di movimento ed energia – c’è un vero e proprio ritmo nel mare, un flusso e riflusso; questo è ciò che amo del paesaggio della Cornovaglia”.

Ecco un artista che si preoccupa di vivere a contatto con la natura, ricordando che le nostre menti sono modellate dalle nostre esperienze corporee di essere nel mondo. È un amante dei grandi cieli, del mare impetuoso e degli equilibri inebrianti del paesaggio del West Penwith.

La passione per il paesaggio affonda le sue radici nell’interesse per la geologia, per l’aspetto topologico del territorio, per i solchi, le linee, gli antichi percorsi preferenziali e per il profondo senso di libertà e apertura che si ricava da un’esperienza intensamente visiva e spaziale.

Spesso immerso nell’aria aperta – camminando, andando in bicicletta, percorrendo il sentiero costiero – David è aperto all’inafferrabile e al primordiale. Come non si può non essere influenzati da questo”, suggerisce.

Trascorrendo molto tempo in riva al mare, parla di insenature, spiagge nascoste, lunghi panorami e quindi di uno stupore trovato che è la sua motivazione e ispirazione. Amo il mio ambiente”, dice. L’oceano è carico di significati personali e dista solo poche centinaia di metri dal suo studio, anche se la sua immagine è ancora più vicina. Un’ovvia attrazione dello studio di David è la bella finestra sopra la sua scrivania che guarda verso il largo.

Si chiede come si inizia un’opera; spesso si lavora a più dipinti contemporaneamente. La pittura può essere gettata sulla tela e i materiali vengono esplorati attraverso la libera associazione, la creazione di segni gestuali e l’utilizzo di qualsiasi materiale su cui l’artista possa mettere le mani. Gli inizi possono variare, ma in genere sono costruiti lentamente in strati di pittura acrilica, poi graffiati, rimossi, levigati, raschiati; ogni substrato di pittura comprende un arcipelago di linee e scarabocchi simili a graffiti. L’obiettivo è quello di animare la superficie, anche una superficie intenzionalmente piatta, per rivelare un’infiltrazione sottostante di storia o di narrazione, che in alcuni punti può riversarsi in superficie.

L’atmosfera è essenziale per la qualità del lavoro dell’artista. Andando oltre la ragione e la spiegazione (cullando il senso dell’ordine) l’artista punta allo stupore e al sublime. Il blu un po’ pudico di un quadro: ingenuo, pallido, ricorda una sabbia grigia e scintillante, una patina al chiaro di luna. Il dipinto potrebbe evocare una veduta aerea di una spiaggia, guardando giù da un’alta scogliera nella penombra. Le linee incrociate in cima alla periferia conferiscono un’inquietudine sinestetica per una frazione di secondo. L’alfabetizzazione dell’atemporale, creata da sensazioni, forme riconoscibili, linee poetiche, curve, domande e mistero, è incantevole. Alla domanda se l’artista fosse d’accordo con i miei pensieri, non si è detto né d’accordo né in disaccordo, dipendeva da me. È quel senso di qualcosa che sto cercando di trasmettere, quell’atmosfera”, ha dichiarato.

Si nota l’assemblaggio di forme familiari e sconosciute, di forme velate e di strati diafani sopra e sotto toni mutevoli in molti dei dipinti di David Mankin. Ombre e luce cadono sulla tela, rafforzando un senso intrinseco di transitorietà e di flusso, caratteristica principale di questa mostra.

Si crea una sorta di tensione superficiale affascinante da ispezionare, una sorta di membrana tattile che si desidera esplorare – una terrosità con caratteristiche serendipiche che ci si diverte a trovare inaspettatamente. Questi sono l’ingrediente principale e la ricompensa del dipinto. È importante che dal processo emergano profondità e suggestioni”.

Credo che in un dipinto di Mankin lo spettatore abbia fiducia nel fatto che tutto ciò che attraversa il suo cammino non verrà ignorato. L’artista ha uno spirito imprenditoriale, desideroso di esprimere la propria creatività a partire dall’interazione e dall’esperienza nel microsecondo presente, dalla memoria di lavoro e dalla consapevolezza del senza tempo.

Un dipinto in particolare mi fa provare un brivido di piacere e, come tutto il corpus di opere di questa mostra, mi trasmette tranquillità.

Ali Day, settembre 2018