David Mankin

Le travail de David Mankin porte sur le paysage, mais il ne cherche pas à imiter une « vue ». Au contraire, il évoque le sentiment d’être dans le monde naturel, et le sentiment de notre insignifiance humaine face aux éléments.
Ses peintures expriment un amour pour le paysage qui entoure sa maison et son studio en Cornouailles, et un sentiment de liberté dans les grands espaces sauvages – les éléments physiques bruts, les grands cieux et les mers déchaînées.
Dans ce nouvel ensemble d’œuvres, Mankin se propose d’explorer les forces et les rythmes qui sous-tendent les changements que nous voyons et ressentons dans le paysage.

Dans ces tableaux, c’est comme si l’artiste avait recueilli des fragments d’expériences sensorielles du monde extérieur qui, ramenés dans l’atelier, se répandent sur la toile. Il n’y a pas de récit ou de commentaire imposé – juste « voilà, c’était comme ça ».
Dans la méthode de travail de Mankin, les qualités formelles de son médium ne sont pas négligées et le flux initial, intuitif, est suivi d’un processus tranquille de raffinement. L’équilibre des couleurs, des lignes, des tons, des textures et des formes est pris en compte. Mankin vise une composition équilibrée, avec un dialogue entre le marquage et les passages de peinture. La surface est construite, grattée, enlevée, grattée, et d’autres couches sont ajoutées, le tout ponctué de marques, de lignes et de gribouillages semblables à des graffitis. Au cours d’une journée de travail, une peinture peut changer du tout au tout, au fur et à mesure que des éléments ou des relations sont découverts, enterrés, perdus et retrouvés, faisant écho au « flux perpétuel » du monde naturel. Les cicatrices enfouies des itérations précédentes font écho à l’obscurité,
Le vol d’une mouette, rencontrée un jour de grand vent, devient une marque de pinceau gestuelle. Un enchevêtrement de fines lignes de sgraffite suggère les branches de tamaris soufflées par le vent au bord de la falaise. Une série de petits traits se déplaçant délicatement dans le coin d’un tableau rappelle les pas délicats d’une huîtrière en quête de nourriture sur le bord du rivage. Les formes irrégulières du charbon de bois semblent avoir été tracées directement à partir des débris découverts sur la plage – ou peut-être font-elles référence aux cheminées de mines désaffectées qui parsèment les falaises. Mankin offre ces impressions picturales pour que le spectateur les interprète à sa guise. Il y a toujours l’énergie sous-jacente de la mer, tantôt une laitance matinale, tantôt une force élémentaire déchaînée. L’artiste se souvient de la peinture.

Les influences de l’histoire de l’art se révèlent au fur et à mesure que ces souvenirs du paysage des Cornouailles s’accumulent sur ses surfaces et que le processus évolue. Mankin admire l’insistance de Richard Diebenkorn à pousser le processus, ainsi que les surfaces subtilement stratifiées et texturées de Prunella Clough, et sa façon d’isoler les petits détails. Des passages de peinture viscérale évoquent les œuvres Catterline de Joan Eardley, la musculature du trait rappelle Roger Hilton, et une influence lanyonesque est perceptible dans la perspective apparemment aérienne de certains tableaux.
Comme toute peinture, l’œuvre de Mankin doit être vue « en chair et en os » – les mots ne peuvent en traduire les subtilités. Nous devons nous tenir devant ses tableaux, goûter l’air salé et sentir la chaleur du soleil.

Pippa Young,
Pippa Young est un peintre d’art dont les œuvres sont collectionnées au niveau international.

David Mankin – Flux perpétuel

L’azur que l’on voit dans une peinture de David Mankin évoque la mer, l’attraction magnétique et l’esprit des Cornouailles, un paysage chargé de signification pour l’artiste. Aussi souvent que l’on regarde, on ne s’habitue jamais à la mer – il n’y a presque rien à ajouter à son mystère, suggère David. Le blues est une beauté réfléchie, une apogée du regard sur les perspectives changeantes, les rythmes submergés. Une éloquence qui résiste peut-être à l’articulation avec des mots, mais qui découle clairement d’une relation de travail avec la nature. C’est dans le calme de la nature que l’artiste est enveloppé par un andante de flux au milieu, sous et au-dessus des couches.

La mer a tellement de choses en elle, en termes de mouvement et d’énergie – il y a un véritable rythme dans la mer, un flux et un reflux ; c’est ce que j’aime dans le paysage des Cornouailles ».

Voici un artiste soucieux de vivre en contact avec la nature, qui se souvient que nos esprits sont façonnés par nos expériences corporelles d’être dans le monde. Il aime les grands ciels, la mer qui déferle et les équilibres enivrants que l’on trouve dans le paysage de West Penwith.

La passion pour le paysage prend racine dans un intérêt pour la géologie, l’aspect topologique de la terre, les rainures, les lignes, les anciens chemins préférentiels et un profond sentiment de liberté et d’ouverture que l’on acquiert par une expérience intensément visuelle et spatiale.

Souvent immergé à l’extérieur – en marchant, à vélo, en parcourant le sentier côtier, David est ouvert à l’insaisissable et au primordial. On ne peut s’empêcher d’être influencé par cela », suggère-t-il.

Passant beaucoup de temps au bord de l’eau, il parle de criques, de plages cachées, de longs panoramas et donc d’un étonnement retrouvé qui est sa motivation et son inspiration. J’aime mon environnement », dit-il. L’océan est chargé de signification personnelle et se trouve à quelques centaines de mètres seulement de son atelier, mais son image est encore plus proche. La jolie fenêtre au-dessus de son bureau, qui donne sur l’extérieur, est un cynisme évident dans le studio de David.

Demande comment une œuvre est commencée ; plusieurs tableaux sont souvent travaillés en même temps. La peinture peut être jetée sur la toile, et les matériaux sont explorés par l’association libre, le marquage gestuel en utilisant tous les matériaux sur lesquels l’artiste peut mettre la main. Les débuts peuvent varier mais sont généralement construits lentement en couches de peinture acrylique, puis grattés, enlevés, poncés, grattés ; chaque substrat de la peinture comprenant un archipel de lignes et de gribouillages semblables à des graffitis. L’objectif est d’animer la surface, même une surface intentionnellement plate, pour révéler une infiltration sous-jacente d’histoire ou de narration, qui par endroits peut déborder à la surface.

L’atmosphère est essentielle à la qualité du travail de l’artiste. En allant au-delà de la raison et de l’explication (en berçant un sens de l’ordre), l’artiste pointe vers l’émerveillement et le sublime. Le bleu plutôt pudique d’un tableau : naïf, pâle, rappelle un sable gris chatoyant, filiforme sous le clair de lune. Le tableau pourrait évoquer une vue aérienne d’une plage, regardée depuis une haute falaise dans la pénombre. Des rafales sourdes de lignes entrecroisées à la périphérie supérieure confèrent un aspect étrange et synesthésique pendant une fraction de seconde. L’alphabétisation de l’intemporel à partir de sensations, de formes reconnaissables, de lignes poétiques, de courbes, d’interrogations et de mystère est un enchantement. Lorsqu’on lui a demandé si l’artiste était d’accord avec mes idées, il a répondu qu’il n’était ni d’accord ni en désaccord, que c’était à moi de décider. C’est ce sentiment de quelque chose que j’essaie de faire passer – cette atmosphère », a-t-il déclaré.

On remarque l’assemblage de formes familières et inconnues, de formes voilées et de couches diaphanes sur et sous des tons changeants dans de nombreuses peintures de David Mankin. Les ombres et la lumière tombent sur la toile, renforçant le sentiment inhérent d’éphémère et de flux, qui est la caractéristique principale de cette exposition.

Il se crée une sorte de tension superficielle fascinante à observer, une sorte de membrane tactile que l’on a envie d’explorer – un aspect terreux avec des caractéristiques fortuites que l’on aime découvrir de manière inattendue. C’est l’ingrédient principal et la récompense du tableau. Il est important qu’il y ait de la profondeur et des suggestions qui ressortent du processus.

Je pense qu’il y a une confiance pour le spectateur, dans une peinture de Mankin, que tout ce qui croise son chemin ne sera pas laissé de côté. L’artiste a un esprit d’entreprise, désireux d’exprimer sa créativité à partir de l’interaction et de l’expérience dans la microseconde présente, et de la mémoire de travail, tout en ayant une conscience de l’intemporel.

Une peinture en particulier me fait frissonner de plaisir et, comme pour l’ensemble des œuvres de cette exposition, elle me confère une certaine tranquillité.

Ali Day, septembre 2018