David Mankin

In David Mankins Werk geht es um Landschaft, aber es wird nicht versucht, eine „Ansicht“ zu imitieren. Stattdessen beschwört er das Gefühl herauf, in der Natur zu sein, und ein Gefühl für unsere menschliche Unbedeutsamkeit angesichts der Elemente.
Seine Gemälde sind Ausdruck der Liebe zur Landschaft, die seine Heimat und sein Atelier in Cornwall umgibt, und des Gefühls der Freiheit in den wilden Weiten – den rauen physischen Elementen, dem weiten Himmel und dem wogenden Meer.
In diesem neuen Werk will Mankin die Kräfte und Rhythmen erforschen, die den Veränderungen zugrunde liegen, die wir in der Landschaft sehen und spüren.

In diesen Gemälden ist es, als hätte der Künstler Fragmente von Sinneserfahrungen aus der Außenwelt gesammelt, die, ins Atelier zurückgebracht, auf die Leinwand überschwappen dürfen. Es gibt keine auferlegte Erzählung oder einen Kommentar – nur ‚hier, so war es‘.
In Mankins Arbeitsweise werden die formalen Qualitäten seines Mediums nicht vernachlässigt, und auf den anfänglichen, intuitiven Fluss folgt ein ruhiger Prozess der Verfeinerung. Es wird auf die Ausgewogenheit von Farbe, Linie, Ton, Textur und Form geachtet. Mankin strebt eine ausgewogene Komposition an, mit einem Dialog zwischen Markierungen und Farbpassagen. Die Oberfläche wird aufgebaut, zerkratzt, entfernt, abgekratzt und mit weiteren Schichten versehen, alles unterbrochen von Markierungen, Linien und graffitiartigen Kritzeleien. Im Laufe eines Arbeitstages kann sich ein Gemälde völlig verändern, wenn Elemente oder Beziehungen entdeckt, vergraben, verloren und wiedergefunden werden, was an den „ewigen Fluss“ der natürlichen Welt erinnert. Vergrabene Narben früherer Iterationen hallen in der Dunkelheit nach,
Der Flug einer Möwe, die an einem windigen Tag auftaucht, wird zu einem schwungvollen Pinselstrich; ein Gewirr von feinen Sgraffitostrichen deutet die vom Wind verwehten Zweige der Tamariske am Rande der Klippe an. Eine Reihe winziger Striche, die sich zart über die Ecke eines Bildes bewegen, erinnert an die zierlichen Schritte eines Austernfischers, der am Ufer auf Nahrungssuche ist. Die unregelmäßigen Holzkohleformen scheinen direkt von Treibgut zu stammen, das am Strand gefunden wurde – oder sie beziehen sich vielleicht auf die stillgelegten Schornsteine der Minen, die entlang der Klippen verteilt sind. Mankin bietet diese malerischen Eindrücke dem Betrachter zur eigenen Interpretation an. Stets ist die Energie des Meeres zu spüren, manchmal eine frühmorgendliche Milchigkeit, manchmal eine wütende Urgewalt. Der Künstler erinnert sich mit Farbe.

Während diese Erinnerungen an die Landschaft Cornwalls auf seine Oberflächen stürzen und der Prozess abläuft, werden kunsthistorische Einflüsse sichtbar. Mankin bewundert Richard Diebenkorns beharrliches Vorantreiben des Prozesses, aber auch Prunella Cloughs subtil geschichtete und strukturierte Oberflächen und die Art und Weise, wie sie kleine Details isolierte. Passagen der viszeralen Malerei erinnern an Joan Eardleys Catterline-Werke, die Muskelkraft der Linien erinnert an Roger Hilton, und in der scheinbar luftigen Perspektive einiger Gemälde ist ein Lanyonesscher Einfluss erkennbar.
Wie bei allen Gemälden muss man auch Mankins Werke „in Fleisch und Blut“ sehen – Worte können die Feinheiten nicht vermitteln. Wir müssen vor seinen Bildern stehen, die salzige Luft schmecken und die Wärme der Sonne spüren.

Pippa Young,
Pippa Young ist eine bildende Künstlerin, deren Werke international gesammelt werden.

David Mankin – Ewiger Fluss

Die blaue Farbe, die man in einem Gemälde von David Mankin sieht, erinnert an das Meer, die magnetische Anziehungskraft und den Geist von Cornwall, einer Landschaft, die für den Künstler von großer Bedeutung ist. Wie oft man auch hinschaut, man gewöhnt sich nie an das Meer – es gibt fast nichts, was sein Geheimnis verraten könnte, meint David. Der Blues ist eine reflektierte Schönheit, ein Höhepunkt der Betrachtung von wechselnden Perspektiven, versunkenen Rhythmen. Eine Beredsamkeit, die sich vielleicht nicht mit Worten ausdrücken lässt, die aber eindeutig aus einer funktionierenden Beziehung zur Natur stammt. Die Stille der Natur ist der Ort, an dem der Künstler von einem Andante des Flusses inmitten, unter und über den Schichten umhüllt wird.

Das Meer hat so viel in sich, was seine Bewegung und Energie angeht – es gibt einen echten Rhythmus im Meer, eine Ebbe und Flut; das ist es, was ich an der kornischen Landschaft liebe“.

Hier ist ein Künstler, dem es darum geht, in Kontakt mit der Natur zu leben und sich daran zu erinnern, dass unser Geist von unseren körperlichen Erfahrungen in der Welt geprägt ist. Er liebt den weiten Himmel, das wogende Meer und das berauschende Gleichgewicht in der Landschaft von West Penwith.

Die Leidenschaft für die Landschaft wurzelt in einem Interesse an der Geologie, dem topologischen Aspekt des Landes, an Furchen, Linien, alten bevorzugten Wegen und einem tiefen Gefühl von Freiheit und Offenheit, das sich aus einer intensiven visuellen und räumlichen Erfahrung ergibt.

David ist oft in der freien Natur unterwegs – zu Fuß, mit dem Fahrrad oder auf dem Küstenpfad – und ist offen für das Unfassbare und Ursprüngliche. Man kann gar nicht anders, als sich davon beeinflussen zu lassen“, meint er.

Da er viel Zeit an der Küste verbringt, spricht er von Buchten, versteckten Stränden, weiten Ausblicken und somit von einem Erstaunen, das seine Motivation und Inspiration ist. Ich liebe meine Umgebung“, sagt er. Der Ozean ist mit persönlicher Bedeutung aufgeladen und nur wenige hundert Meter von seinem Atelier entfernt, obwohl sein Bild noch näher ist. Ein offensichtlicher Anziehungspunkt in Davids Atelier ist das hübsche Fenster über seinem Schreibtisch, das auf das Meer hinausblickt.

Auf die Frage, wie ein Werk begonnen wird, werden oft mehrere Gemälde gleichzeitig bearbeitet. Die Farbe kann auf die Leinwand geworfen werden, und die Materialien werden durch freie Assoziation und gestisches Zeichnen mit allen Materialien, die der Künstler in die Hände bekommt, erkundet. Die Anfänge können variieren, aber im Allgemeinen werden sie langsam in Schichten von Acrylfarbe aufgebaut, dann gekratzt, entfernt, geschliffen, gekratzt; jeder Untergrund der Farbe besteht aus einem Archipel von Linien und graffitiähnlichen Kritzeleien. Ziel ist es, die Oberfläche zu beleben, selbst eine absichtlich flache Oberfläche, um eine darunter liegende Geschichte oder Erzählung zu enthüllen, die an manchen Stellen an die Oberfläche schwappen kann.

Entscheidend für die Qualität der Arbeit des Künstlers ist die Atmosphäre. Indem der Künstler über die Vernunft und die Erklärung hinausgeht (indem er den Sinn für Ordnung erschüttert), verweist er auf die Ehrfurcht und das Erhabene. Das eher zurückhaltende Blau eines Gemäldes: naiv, blass, erinnert an einen grau schimmernden Sand, hauchdünn im Mondlicht. Das Gemälde könnte an eine Luftaufnahme eines Strandes erinnern, der im Halbdunkel von einer hohen Klippe herunterschaut. Gedämpfte, kreuz und quer verlaufende Linien am oberen Rand verleihen dem Bild für den Bruchteil einer Sekunde eine scharfe, synästhetische Unheimlichkeit. Eine Alphabetisierung des Zeitlosen, die aus Empfindungen, erkennbaren Formen, poetischen Linien, Kurven, Fragen und Geheimnissen hervorgeht, ist bezaubernd. Auf die Frage, ob der Künstler meinen Gedanken zustimmen würde, antwortete er, dass es an mir läge, ob er zustimme oder nicht. Es ist dieses Gefühl von etwas, das ich zu vermitteln versuche – diese Atmosphäre“, erklärte er.

In vielen Gemälden von David Mankin finden sich vertraute und ungewohnte Formen, verschleierte Formen und durchscheinende Schichten über und unter wechselnden Tönen. Schatten und Licht fallen über die Leinwand und verstärken das Gefühl der Vergänglichkeit und des Wandels, das Hauptmerkmal dieser Ausstellung.

Es entsteht eine Art Oberflächenspannung, die zu betrachten spannend ist, eine Art taktile Membran, die man erforschen möchte – eine Erdigkeit mit serendipitären Eigenschaften, die man gerne unerwartet findet. Sie sind der Hauptbestandteil und die Belohnung des Gemäldes. Es ist wichtig, dass es Tiefe und Anregungen gibt, die aus dem Prozess hervorgehen“.

Ich denke, der Betrachter eines Mankin-Gemäldes kann darauf vertrauen, dass das, was seinen Weg kreuzt, nicht übersehen wird. Der Künstler hat einen unternehmerischen Geist und ist bestrebt, seine Kreativität aus der Interaktion und der Erfahrung in der gegenwärtigen Mikrosekunde und aus dem Arbeitsgedächtnis heraus zum Ausdruck zu bringen, und er hat ein Bewusstsein für das Zeitlose.

Ein bestimmtes Gemälde löst bei mir einen Schauer der Freude aus, und wie alle Werke dieser Ausstellung vermittelt es eine gewisse Ruhe.

Ali Day, September 2018